+ de 20 années à défendre la culture
+ de 300 projets accompagnés
Une partie des projets défendus
Aux côtés de :
Sydney Poma est une pianiste compositrice française, originaire du sud de la France. Elle se démarque par une sensibilité pianistique unique et bouleversante. Son jeu réuni force, virtuosité et délicatesse.
Depuis plusieurs années elle crée la différence à travers ses interprétations très personnelles des plus grandes musiques de films. Ses arrangements suscitent la curiosité et l’intérêt de milliers d’auditeurs en France et en Europe.
Ses compositions, très visuelles et profondes, ont déjà accompagné de jeunes réalisateurs français et internationaux. Son dernier album ATMOSPHERE sorti en 2023 est une ode pianistique à ce qui constitue l’essence de nos vies, à travers un touché unique et des mélodies inspirantes.
Élevé aux classiques de Jean-Michel Jarre, Daft Punk et Laurent Garnier, MOSIMANN a développé son propre son et son style unique en tant que DJ/producteur, réimaginant la performance DJ live pour incorporer le DJ, les percussions en direct, le chant et les claviers live, et tourne régulièrement dans le monde entier depuis 15 ans.
En tant que producteur, MOSIMANN a sorti des albums sur des labels dance respectés tels que D4Dance/Defected, CR2 et Spinnin', ainsi que des productions plus orientées radio telles que l'excellent « Dancing On My Own » via RCA/Sony Music en France. En tant que remixeur, Mosimann a retravaillé des titres de David Guetta, Bob Sinclar, Hardwell, Sophie Ellis-Bextor, Emili Sande, Barbara Tucker et Julian Perretta entre autres.
En tant qu'auteur-compositeur, MOSIMANN a récemment travaillé avec l'artiste français Grand Corps Malade sur son album « Mesdames », certifié Diamant, et continue de le faire pour de nombreuses autres personnes.
MOSIMANN fait désormais régulièrement partie du Top 100 de DJ Mag et a rejoint les rangs d'autres DJ français tels que David Guetta, Bob Sinclar, Cedric Gervais, DJ Snake et Martin Solveig pour faire connaître le son français au plus grand nombre. Avec son tourneur Live Nation et son flux régulier de streams, MOSIMANN approche maintenant le million de fans dévoués sur ses réseaux sociaux.
« Yilian est l’un des talents les plus incroyables de la nouvelle génération de musiciens cubains. Elle est virtuose, expressive, spontanée et a une grâce qui fait d’elle la favorite de nous tous. » Chucho Valdés
Yilian Cañizares est l’une des violonistes, chanteuses et compositrices les plus intéressantes de la scène contemporaine. Sans jamais trahir ses origines, elle mélange dans un style qui lui est devenu propre des rythmes jazz, classiques et afro-cubains avec une voix qui semble venir d’un autre monde. Il existe peu d’artistes, que ce soit sur scène ou en studio, aussi talentueux et polyvalent que Yilian Cañizares. Née à La Havane et installée en Suisse depuis 20 années, elle voue un grand respect pour le passé, tout en nourrissant une sensibilité tournée vers le futur.
KO KO MO c’est un peu comme si le yin et le yang se retrouvaient sur scène pour fusionner et électriser le public au cours d’un show exaltant.
En 3 albums, ce duo est parvenu à imposer sa propre patte musicale, un son instantanément reconnaissable, alliant savamment Rock et touches d’Électro.
La voix androgyne de Warren, tour à tour sensible et puissante, vient parfois rivaliser avec ses riffs de guitare, pendant que K20, à la batterie, martèle ses fûts comme si sa vie en dépendait. Ils dégagent tellement d’énergie et de vibrations à eux deux qu’on a le sentiment qu’ils se démultiplient.
Après 10 ans et plus de 600 concerts mémorables aux quatre coins de la planète, leur dernière tournée les a menés dans presque toutes les salles de France, à guichets fermés. Ils ont galvanisé et fait danser des dizaines de milliers festivaliers des plus prestigieux événements musicaux.
Depuis Moussolou, son premier album sorti en 1989, la vie de la chanteuse malienne Oumou Sangaré n’a connu aucun répit. De ce riche et trépidant voyage on retient notamment des enregistrements parmi les plus décisifs de la musique africaine contemporaine, tous produits par le label World Circuit : Ko Sira en 1993, Worotan en 1996 et Seya nominé dans la catégorie Meilleur Album de World Music des Grammy Award en 2009. De nombreuses tournées internationales et la consécration obtenue sur les scènes prestigieuses que sont l’Opéra de Sydney, le Queen Elizabeth Hall de Londres ou le Nippon Budokan de Tokyo, complètent ce tableau d’honneur.
Son album Timbuktu consacre cette artiste issue des quartiers pauvres de Bamako devenue une superstar mondiale, ainsi qu’une icône féministe unanimement admirée. D’une aura puissante comparable celle d’une Grace Jones, icone noire transgressive par excellence, Oumou a depuis longtemps franchi les barrières séparant genres musicaux et continents. Hier invitée par Alicia Keys pour un duo télévisé, elle est désormais citée en exemple par des artistes aussi considérables qu’Aya Nakamura, qui lui a dédié la chanson Oumou Sangaré en 2017, ou Beyoncé, qui a samplé l’une de ses plus célèbres créations, Diaraby Néné, pour l’un de ses titres.
Eastwood Symphonic est un hommage d'un fils à son père, acteur, réalisateur et musicien. C'est aussi le témoignage d'un héritage artistique, de la transmission de passions personnelles qui se touchent jusqu'à se confondre le plus souvent possible. On (re)découvrira ici que Clint a écrit la musique de certains de ses films, et que son fils Kyle a collaboré avec lui sur ses bandes originales, pour la composition et les arrangements.
Enregistré en octobre 2022 avec l'Orchestre national symphonique tchèque et sous la direction du chef d'orchestre Gast Waltzing, récompensé par un Grammy Award, ce disque riche en événements fera également l'objet d'une tournée, tel un road trip musical. Kyle et son quintette rejoindront un nouvel orchestre symphonique à chaque étape pour offrir une interprétation riche et émotionnelle de la musique des films de Clint Eastwood ou mettant en scène Clint Eastwood.
Les projets de Sophia Domancich nous réservent toujours des beautés surprenantes. Son immense personnalité musicale s’y révèle un peu plus au fil du temps. Sa poésie unique, sans cesse renouvelée, s’est forgée aux plus grandes écoles. Son audace et sa gourmandise lui ont permis de côtoyer des mondes musicaux qu’on pourrait penser de prime abord irréconciliables : lauréate d’un premier prix de conservatoire national de Paris à l’âge tendre et promise à un avenir de concertiste, elle s’embarque au cœur de l’aventure des Anglais de l’École de Canterbury pour ses premiers engagements professionnels, côtoie au plus près les tenants de la révolution du rock progressif, puis se passionne pour des formes de jazz libérées de tout formalisme aux côtés d’une nouvelle vague européenne marquée par l’héritage du free jazz afro-américain.
Elle multiplie les pas de côté avec des projets personnels aux sonorités teintées de pop et d’électro où l’on découvre son autre talent pour les mélodies et les formes simples. Ses inventions et la sincérité de ses engagements artistiques font d’elle une partenaire très prisée qu’on a pu entendre aussi bien dans le contexte de l’Orchestre National de Jazz, que dans les aventures transculturelles d’African Jazz Roots, ou aux côtés de slameurs comme Napoleon Maddox.
Au centre de ce foisonnement créatif, le trio a toujours été pour Sophia Domancich le fil conducteur de son parcours, la forme fondamentale et propice aux épanouissements les plus grands. Ses longs compagnonnages avec Paul Rogers et Tony Levin, puis Simon Goubert et Jean-Jacques Avenel, ses rencontres avec Hamid Drake et William Parker ou avec Mark Helias et Andrew Cyrille sont autant d’épisodes qui l’ont inscrite en bonne place dans la riche histoire du trio jazz.
Pour chacune de ces formations, il a toujours été question de remettre en jeu les attendus formels de ce triangle idéalement équilatéral. En se tournant cette fois vers Mark Helias et Eric McPherson, Sophia Domancich s’ouvre de nouveaux champs d’exploration.
Entendus aux côtés des plus grands (Jackie McLean, Pharoah Sanders, Greg Osby, Avishai Cohen, Fred Hersh, Don Cherry, Dewey Redman, Ed Blackwell, Anthony Braxton...), Helias et McPherson ont cette solidité du roc pour embrasser dans l’instant toutes les fulgurances de leur partenaire. Leur son est à la mesure des moyens hors norme de Sophia Domancich pour développer au piano des textures d’une grande puissance.
Ensemble ils nous convient à une odyssée sonore faite de clairs-obscurs, de contrastes où se mêlent savamment structures très élaborées et évasions totales. On y entend leur goût et leur savoir-faire magistral pour un jazz solidement attaché à ses origines, dansant, orchestral, autant que leur capacité à exploser les formes en longues phases improvisées.
Entre Sophia et Mark existe de longue date une complicité spéciale, spirituelle, harmonique, qui parfois fait surgir de leurs échanges l’illusion d’une seule et même voix, alliage étonnant de timbres et sensibilités.
Eric leur offre à chaque instant la profondeur de son chant. Fondamentalement « jazz » quant au rapport aux autres, mixte de modestie et d’efficacité, sa façon bien à lui de s’insérer avec douceur dans la conversation donne à Sophia de nouvelles perspectives de dialogue.
Wishes est une suite de compositions spécialement écrites et pensées pour ce trio majuscule.
Un répertoire qui favorise le déploiement d’une grande puissance émotionnelle, des espaces sonores très denses autant que des moments de grande douceur. La forme est riche, claire, fluide et d’une densité musicale permanente. Chaque instant musical porte un sens profond dans un récit de grande continuité.
Ce trio est intensément vivant et le miracle collectif offre à l’auditeur la plongée délicieuse dans un univers hypnotique.
Six ans après Crescent Hôtel, un album alors encensé par des critiques élogieuses, Antoine Bataille nous propose une nouvelle épopée musicale. Dès les premières notes de “Suspendus”, porte d’entrée vers la Forêt d’Antoine Bataille, une multitude d’images à la beauté sombre s’imposent. Elles se renouvellent, parfois en prenant un éclat plus lumineux, sur tous les titres de cet album, un nouveau chapitre qui vient compléter une œuvre déjà dense. Qualifier la musique de l’artiste n’est pas chose aisée.
Chanson rock littéraire pourrait être la plus fidèle description, tant la tension et les arrangements répondent de manière incandescente aux textes travaillés, ciselés, taillés dans le granit de la métaphore.
Entre musique foisonnante à tendance électronique, poésie pure et ambiance mystérieuse, Antoine Bataille nous propose d’arpenter des sentiers trop peu connus dans le paysage musical français actuel.
Charlotte Reinhardt, est une pianiste compositrice et productrice qui partage sa vie entre la France et les montagnes de Cantabrie en Espagne. Sa mère gitane, son père anglais, ses études au conservatoire national de Paris et son parcours jazz ont permis l’éclosion d’un monde musical riche et explosif.
Immergée dès son plus jeune âge dans un monde bouillonnant de musique et entourée de musiciens de jazz, elle entre rapidement au conservatoire national supérieur de Paris. Elle se consacre alors corps et âme à la musique, fréquente assidûment salles de concerts, caves de jazz et studios.
Elle est vite sollicitée par des artistes de tous horizons tel que Patricia Petitbon, Andréa Bocelli, Laurent Voulzy, Jim Beard... De nouvelles rencontres viennent sans cesse enrichir son univers, le monde de la variété internationale la courtise pour plusieurs tournées en tant qu’interprète. En parallèle, elle travaille régulièrement à l’Opéra national de Paris avec Roberto Alagna, Placido Domingo, Sonya Yoncheva, Robert Carsen, Coline Serreau, Benoît Jacquot...
Puis soudainement, elle retrouve profondément sa famille gitane, provoquant en elle la nécessité de se replonger dans un rapport viscéral à la musique plus personnel et introspectif. Elle initie un parcours initiatique radical en se plongeant dans ses mondes enfouis et développe un langage singulier fait d’instinct et de réflexion. Bien que recentrée sur son instrument de prédilection, le piano, son écriture se développe dès lors également pour orchestre.
Son travail est convoité par de nombreux chorégraphes, metteurs en scène et réalisateurs. Elle sera présélectionnée pour la meilleure musique originale aux Césars 2021.
Le croisement de ses racines et de son parcours se cristallise parfaitement dans ses « Colors deluxe » qui révèlent un monde profond, riche et absolument libre.
"C’est comme si tout ce que j’avais accompli jusqu’à présent m’avait conduit à vivre ce moment-là." Le moment dont parle Pascal Danaë est celui où Delgres a cessé d’être à ses yeux un énième projet pour devenir le tournant d’une carrière. Mais qu’est-ce donc que ce groupe Delgres dont voici le premier album ? Un trio de blues caribéen, un blues d’aujourd’hui chanté le plus souvent en créole, né il y a déjà quatre ans de la rencontre de Pascal avec le batteur Baptiste Brondy et le joueur de sousaphone Rafgee. C’est surtout une aventure intime, un voyage intérieur où la musique devient le véhicule imaginaire, quoique vibrant, d’un vécu personnel, d’une histoire familiale. Et plus largement, du destin d’une partie du monde marquée par le déracinement et la difficile conquête d’une identité.
Charlotte Reinhardt, est une pianiste compositrice et productrice qui partage sa vie entre la France et les montagnes de Cantabrie en Espagne. Sa mère gitane, son père anglais, ses études au conservatoire national de Paris et son parcours jazz ont permis l’éclosion d’un monde musical riche et explosif.
Immergée dès son plus jeune âge dans un monde bouillonnant de musique et entourée de musiciens de jazz, elle entre rapidement au conservatoire national supérieur de Paris. Elle se consacre alors corps et âme à la musique, fréquente assidûment salles de concerts, caves de jazz et studios.
Elle est vite sollicitée par des artistes de tous horizons tel que Patricia Petitbon, Andréa Bocelli, Laurent Voulzy, Jim Beard... De nouvelles rencontres viennent sans cesse enrichir son univers, le monde de la variété internationale la courtise pour plusieurs tournées en tant qu’interprète. En parallèle, elle travaille régulièrement à l’Opéra national de Paris avec Roberto Alagna, Placido Domingo, Sonya Yoncheva, Robert Carsen, Coline Serreau, Benoît Jacquot...
Puis soudainement, elle retrouve profondément sa famille gitane, provoquant en elle la nécessité de se replonger dans un rapport viscéral à la musique plus personnel et introspectif. Elle initie un parcours initiatique radical en se plongeant dans ses mondes enfouis et développe un langage singulier fait d’instinct et de réflexion. Bien que recentrée sur son instrument de prédilection, le piano, son écriture se développe dès lors également pour orchestre.
Son travail est convoité par de nombreux chorégraphes, metteurs en scène et réalisateurs. Elle sera présélectionnée pour la meilleure musique originale aux Césars 2021.
Le croisement de ses racines et de son parcours se cristallise parfaitement dans ses « Colors deluxe » qui révèlent un monde profond, riche et absolument libre.
Après plus de quarante ans d’une carrière débutée à l’âge tendre, Biréli Lagrène est déjà inscrit dans l’histoire du jazz. Sa contribution à réinventer l’usage de la guitare est saluée par ses plus prestigieux contemporains : John Scofield, Mike Stern, Lionel Loueke et même George Benson ont chacun à leur tour exprimé leur admiration pour ce musicien prodigieux.
Elegant People se situe dans la continuité de son précédent remarquable album Solo suites. Il donne à entendre un Biréli Lagrène en recherche d’essentiel. Dans une maîtrise instru- mentale encore plus grande que jamais, il semble pourtant définitivement débarrassé de toute acrobatie inutile. Son expression fondamentalement spontanée est ici guidée par une vision très claire du chemin à suivre tout au long de l’album. Elegant People a fait l’objet d’une préparation minu- tieuse avec des morceaux choisis et des compositions qui offrent à son nouveau quartette des terrains de jeu contras- tés, propices à l’émergence d’un véritable son de groupe. On y retrouve l’attachement de Biréli à l’univers de Weather Report (Elegant People), aux standards du Great American Song Book (My Foolish Heart, A Time for Love, Clair) et sa façon bien à lui de se saisir d’autres mélodies puisées dans son immense mémoire musicale (Anjo de Mim). Fil rouge permanent de toute son œuvre, le blues continue d’être la fondation principale de toutes ces variations.
A la recherche d’un son clair et direct, Biréli Lagrène choisit ici une instrumentation quasi-acoustique mettant en valeur sans artifice ses brillants partenaires. Tout juste s’autorise-t-il en de rares endroits à enrichir le son de sa guitare électrique 1⁄2 caisse avec quelques saturations et delay bien intégrés.
Très éloigné des esthétiques du jazz rock, autrefois l’une de ses signatures, il parvient à donner une nouvelle nature à un répertoire qu’on penserait pour partie éprouvé en se rapprochant des fondamentaux du jazz de ses glorieux aînés (Wes Montgomery, Joe Pass, Pat Martino).
En début d’album, Elegant People, Flair et Kings Cross sont joués à l’instinct, dans l’énergie de feu d’un groupe virtuose à la hauteur du défi. Tout à son art unique de la rupture et des renversements, Biréli Lagrène nous entraîne ensuite dans une longue séquence plus intime, avec A Time for Love, My Foolish Heart et Hopla, purs joyaux de fragiles douceurs et de liberté. Anjo de Mim révèle les grandes compétences du quartet à construire un climat qui n’est pas sans évoquer les ambiances sereines et mystérieuses de Pat Metheny et Lyle Mays (période « Still Life Talking »). Jean-Yves Jung y trouve le terrain propice à l’épanouisse- ment de son lyrisme dans un magnifique et très long solo.
New Blues est un retour aux « fondamentaux ». Emmené avec grande maestria par les telluriques Raphaël Pannier et William Brunard, ce blues original et rudimentaire est un exemple éblouissant de ce que Biréli Lagrène peut apporter de nouveau à un vocabulaire déjà mille fois entendu. Dans W 48th Street, le guitariste poursuit sur la lancée et dans le style de « One Take » (enregistré en trio avec Larry Grenadier et Mino Cinelu sur l’album « Story Teller »). Une suite harmonique simple et modulée, reprise cent fois, comme une rampe de lancement pour les improvisations jamais préméditées d’un musicien de génie, littéralement transpercé par la musique qui advient presque malgré lui.
Construit méticuleusement et simplement, dans un grand élan d’enthousiasme, Elegant People est un album qui témoigne de l’état de fraîcheur et de l’incroyable capacité de renouvellement d’un musicien pourtant extrêmement sollicité et rompu à toutes les expériences musicales aux côtés des plus grands.
Ana Madet est une autrice-compositrice et interprète française. Survivante d’inceste et de violences durant son enfance, elle trouve refuge en la musique pour exprimer ses émotions. Elle voit la musique comme une expérience riche, émotionnelle, pleine de sensibilité lui permettant l’expression de ses ressentis. L’écriture des premiers textes se fait en anglais, comme verrou de son jardin secret puis l’artiste se libère en chantant en français.
Son premier single « Bombe » voit le jour en début d’année 2022. Ce single est un hymne au lâcher-prise et à la joie de vivre. Deux autres singles sortiront la même année : “Du temps” et “Résilience”. C’est ainsi que son premier EP “Résilience” prend vie en 2022. Composé de 5 titres et d’un bonus (en anglais!), ce premier EP nous emmène dans le chemin de reconstruction qu’a traversé l’artiste pour surmonter l’impensable. Il constitue le recueil musical de son évolution de petite fille blessée à adulte plus forte, en passant par toutes les phases émotionnelles traversées par l’artiste au cours de ces années en quête d’épanouissement et de liberté.
Au fil du temps, ses textes se peaufinent et ses chansons s’affirment devenant ainsi sources de partage afin de libérer la parole autour du fléau des violences sexuelles. Après « Je te crois » et toujours dans sa lutte contre les violences, l’artiste s’empare de la thématique du consentement au travers ce nouveau single « Non c’est non » dans une ambiance rock et engagée. Deux titres plus affirmés qui marquent un tournant dans ses choix d’artiste.
Son second EP «Fléau» est sorti le 24 novembre 2023.
Thomas Mustin (de son vrai nom) est auteur, compositeur, chanteur et acteur. Très vite après ses études, Thomas est choisi pour des rôles au théâtre, à la télévision et sur Netflix (dans la série belge n°1 « La Trêve “) et au cinéma (entre autres dans ” Grave “, ” Un Petit Boulot “, ” L'Echange des Princesses », etc.) En 2017, il décroche un premier rôle aux côtés de Mathilde Seigner dans le téléfilm français « Je Voulais Juste Rentrer Chez Moi », dans lequel il incarne l'infâme Patrick Dils. En 2019, il joue Hamlet au théâtre, sous la direction d'Emmanuel Dekoninck, et reçoit également le prix Magritte du meilleur espoir masculin du cinéma belge.
Il s'est également rapidement fait connaître en tant que chanteur sous le pseudonyme de Mustii. Avec deux albums à son actif, « 21st Century Boy » et « It's Happening Now », des tournées à succès (dont 3 fois l'Ancienne Belgique à guichets fermés) et le trophée « Révélation de l'année » aux D6bels Music Awards, Mustii continue de séduire avec une voix pop et envoûtante, puissante et fragile à la fois.
2024 marquera sa présence sur tous les fronts : représentation de la Belgique au concours de l'Eurovision en Suède, sortie d'un nouvel album, mais aussi à la télévision puisqu'il renouvelle sa participation en tant que juge permanent à Drag Race Belgium (saison 2) et enfin au cinéma dans le prochain film de Michiel Blanchart « La nuit se traîne » aux côtés de Romain Duris.
Un spectacle où magie, mentalisme et illusion s’entrelacent et se confondent. David fait partie de ce cercle fermé de talents singuliers, imprévisibles, qu’on ne peut classer.
Mosaic, le premier one-man-show de l’artiste franco-britannique transporte le public dans un univers fascinant, là où les illusions défient toute logique laissant le spectateur bluffé et émerveillé à la fois grâce à son talent de magicien et à sa personnalité scénique. Il sait créer une atmosphère captivant e où l’impossible devient possible.
Dans une atmosphère intime et saisissante, l’artiste nous transporte, dans l’inconnu poétique où l’esprit humain est mis à l’épreuve et où la magie devient une réalité à part entière. Sa maîtrise du mentalisme impressionne. Il semble lire dans les pensées de ses spectateurs et prédire des choix aléatoires.
Magicien reconnu depuis 20 ans en France et à l’international, David Jarre a travaillé notamment pour la famille Royale de Grande-Bretagne. Depuis 2022, il fait également des apparitions télévisées régulières, notamment dans l’émission « Vivement Dimanche » animée par Michel Drucker et « C à Vous » présentée par Anne- Elisabeth Lemoine.
Il s’est également produit lors de nombreux événements privés pour des célébrités telles que Roger Federer, Madonna, Sting, Elton John, Adèle, Lady Gaga et bien d’autres. Des milliers de performances à travers le monde lui ont permis de bâtir une solide réputation comme l’un des magiciens majeurs d’aujourd’hui.
Célestin est un chanteur multi-instrumentiste, qui aime s’affranchir des frontières et des conventions.
Sa plume malicieuse virevolte librement dans les grands espaces entre Brassens et Stromae, acoustique et électronique, entre le Petit Prince et Hubert Reeves…
Sa plume malicieuse virevolte librement dans les grands espaces entre Brassens et Stromae, acoustique et électronique, entre le Petit Prince et Hubert Reeves…
Engagé et rêveur, il s’adresse avec sincérité au coeur et à la tête de chacune et de chacun. Célestin n’en est pas à son coup d’essai puisqu’il est également l’un des deux créateurs et performeurs du duo « Fills Monkey ».
Reconversion réussie pour Jeanfi Janssens, ce steward devenu un des humoristes français coqueluche du public.
Trois ans après le succès de son premier spectacle Jeanfi "Décolle", Jeanfi change de décor et nous raconte son entrée 'comme par miracle' dans le monde du show business (le choc des cultures, des deux mondes), ce que la notoriété a changé pour lui ses dernières années, mais pas que. L'humoriste Chti aborde avec tendresse ses amours contrariées, son éducation chez les bonnes soeurs, ses achats compulsifs, son attachement excessif à sa mère et... à sa chatte Duchesse ... ses croyances, le temps qui passe et les habitudes "quinqua" qui le font parfois passer pour un "vieux con". Actuellement au Grand Point Virgule (Paris) jusqu'au 31 mars et en tournée dans toute la France.
Avec ses chansons mélodiques et ses paroles inspirantes, le producteur suédois Avicii a été l'un des artistes qui ont défini la pop moderne. Ses morceaux, qui modifient les genres, ont captivé le public du monde entier et sont largement considérés comme la bande-son d'une génération. Né en 1989 à Stockholm, Tim Bergling a grandi en étant obsédé par les jeux vidéo, une passion qui, à l'adolescence, s'est traduite par la création de musique. Après avoir été découvert par le biais d'un blog et avoir fait parler de lui avec « Seek Bromance », sa carrière a explosé en 2011 avec « Levels ». Sa façon de mélanger audacieusement les styles musicaux est devenue une marque de fabrique d'Avicii, qui s'exprime pleinement sur son premier album « True ».
Le single phare « Wake Me Up », une fusion de musique house et de bluegrass traditionnel, a atteint la première place des classements iTunes dans plus de 60 pays. La chanson est devenue la plus écoutée sur Spotify à ce jour, avec plus de 200 millions de lectures, et a fait d'Avicii un producteur pop très demandé, collaborant avec des stars telles que Madonna et Coldplay. Après avoir tourné dans le monde entier à un rythme effréné, tout en luttant contre des problèmes de santé et de toxicomanie, Tim Bergling s'est retiré de la scène en 2015.
Ce mode de vie plus lent lui a permis de se concentrer uniquement sur la composition, en s'inspirant cette fois-ci principalement des traditions africaines et asiatiques. Bergling travaillait sur son quatrième projet, « Tim », lorsqu'il est décédé tragiquement lors d'un voyage de vacances à Oman, en avril 2018. Il est considéré comme l'un des producteurs de house les plus influents de tous les temps.
Artiste multi-récompensé à la tête de plus de 6 millions d’albums vendus. Génie de la musique, à tout juste 36 ans, GIMS est déjà à l'origine d’un nombre incalculable de tubes : "Bella", "J'me tire", "Est-ce que tu m'aimes", "Zombie", "Je te pardonne", "Tout donner", "Mi Gna", "Corazon" ou encore l'incontournable "Sapés comme jamais", pour lequel il reçoit une Victoire de la musique en 2016 et qui bat tous les records d’écoute. Sans oublier "La même (en duo avec Vianney)", chanson francophone la plus diffusée en radio depuis 15 ans.
Caché derrière ses célèbres lunettes noires, GIMS est un artiste et showman hors normes.
Il est le premier rappeur francophone à remplir le Stade de France.
Vitaa et Slimane, ensemble, en duo, le temps d’un album puissant et émouvant réussissant 19 chansons inédites. 6 mois de confidences à huis clos en studio à partager leurs joies, leurs peines, leurs doutes, leurs amours aussi, pour donner naissance à l’album Versus. Aucune recette. Juste être sincère. Faire danser les gens. Leur parler. Les remercier. Les faire pleurer parfois... Cet album, à l’image de leur tube “je te le donne” est une déclaration d’amour à la vie, à la musique et à l’Humain. Une alliance si évidente entre une jeune femme et un jeune homme, que tout rassemble...ou presque. 19 duos donc 5 invités : Gims, Camélia Jordana, Kendji et Amel Bent Et Parce que la musique n’est faite que pour être partagée, Vitaa et Slimane vous donnent rendez vous en concert dès le mois de mars 2020.
Lara Fabian est une auteure-compositrice-interprète pop belgo-canadienne qui a vendu plus de 12 millions d'albums dans le monde. En 1991, son premier album en français, Lara Fabian, sort au Canada et s'écoule à plus d'un million d'exemplaires en trois ans. Ses tournées régulières ont contribué au succès de son album Carpe Diem en 1994, ouvrant la voie à Pure en 1997, qui s'est vendu à plus de 2 millions d'exemplaires en France et qui contient l'hymne anti-homophobie « La Difference ».
Elle signe ensuite chez Sony Music, qui sort son album éponyme en anglais en 2000. Son cinquième album, Nue, témoigne de la période tumultueuse qu'elle a traversée pendant le succès retentissant de son précédent album. En 2004, Fabian sort son deuxième album en anglais, A Wonderful Life. Un an plus tard, elle sort 9, son cinquième album studio en français. L'album de reprises « Toutes Les Femmes en Moi » arrive en 2009, suivi de son équivalent anglais « Every Woman in Me ». 3 ans plus tard, Fabian revient avec son 11e album studio, Le Secret, sur lequel figure l'hymne à l'égalité des sexes « Deux Ils, Deux Elles ». L'album « Ma Vie Dans la Tienne », sorti en 2015, a été certifié Platine en France. En 2017, Fabian a livré son 13e album studio et son 4e album en anglais, Camouflage.
En 2017, Elle rejoint l'édition canadienne de l'émission « The Voice » en tant que coach, et reviendra pour la 7e saison en 2019.
